The second CD made the clearer link between Schumann and Brahms, but on this third one Lazic´ has chosen Benjamin Britten as the seemingly improbable companion to sonatas and other works by CPE Bach.

Britten was known as a pianist of extraordinary perception when he was acting as accompanist, but the piano as a solo instrument never featured prominently in his work as a composer.

There is not an awful lot to choose from, but Lazic´ has lighted on the youthful Five Waltzes, revised in 1969 from miniatures Britten conceived as a teenager, the Holiday Diary of 1934 and the Notturno written in 1963.

In the Notturno and in some of the Holiday Diary, Britten’s exploration of sonority and the expressive potential of the keyboard, together with, in Lazic´’s words, his “sometimes emotionally restricted formality”, act as a foil to the revolutionary, open-hearted, often soulful expressiveness and passionate ebullience of CPE Bach.
Lazic´ plays with palpable heart, with genuine spirit that derives entirely from the music itself, with dexterity, subtlety and insight that make this recital thoroughly compelling.

Liszt sandwiched a morsel of Mahler in the first half of the main concert: his floral tribute (how fitting) Blumine, once the second movement of his fledgling First Symphony, blossomed exquisitely around the quaint trumpet tune, a gentle portent of the symphony to come. Ivan Fischer began that with an ear-stretching pianopianissimo - a haze of string harmonics, nothing more, teasing every dewy drop of atmosphere from it. There was a gorgeous fragrance about the playing but bags of character, too, with the lumbering landler of the second movement nudged by a bellowing first horn and the café music of the third just the wrong side of cheesy.

The brassy triumph, when it came, was properly raucous with Fischer not only acknowledging Mahler's request that the eight horns stand for their big moment (bells swivelled towards us) but having the rest of the brass and then the entire woodwind choir leap to their feet, too, for the final sprint. I honestly can't remember a time when Mahler's coda sounded so recklessly euphoric.

And then came the "Audience Choice" Prom - a whole concert of encores selected from a repertoire sheet of 285 pieces. The orchestra had changed into their casual gear and while a trio of their number improvised Transylvanian folk music we collected our raffle tickets and perused the list. Lucky numbers were fished out of the principle tuba's instrument and we all voted as to which of three choices would be played.

No preparation, no rehearsal, just a rather nervous librarian rushing backstage to dig out the parts. I reckon we gave them an easy ride with Kodaly and Bartok proudly keeping things in the family. And actually it wasn't the accomplishment of the play-throughs that impressed the most but rather the "group" turns they fielded while we waited for the music to arrive - not least four percussionists making something literal of body rhythm. My number didn't come up. I'd have had this great orchestra playing Elgar.

Whether we may resonate more casily with the heart-on-sleeve outpourings of J. S. Bach's most illustrious son, or prefer the grainer sinews of Britten's piano writing, pared down and often teetering on a knife edge, is for the purpose of this recording hardly relevant: it’s all about the alchemy that occurs when different sound-worlds, two centuries apart, collide. C. P. E.'s instrument of preference was the clavichord, yet it seems ironic that such a diminutive keyboard would become a vehicle for the composer's audacious ‘affects’.

Indeed, a glimpse at one of C. P. E.'s keyboard scores, extravagant in its expressive markings, reveals an often startling urge to embody human emotion in sound. Britten was equally capable of turning back as looking forward, and yet his highly personalised vocabulary lays bare an unswerving need to innovate and explore. Unlike C. P. E. (Bach), who wrote a great deal for the keyboard instruments of his day, Britten's kinship with the piano, which is amply revealed in his performances, for some reason does not seem to have regularly stirred his compositional impulse, accepting of course his marvellous ongoing affinity for it as an accompaniment to songs such as The Lincolnshire poacher or A Charm of Lullabies. Britten left us drooling over a relatively small clutch of solo piano pieces, as Clemens Romijn, the writer of the booklet notes with this new recording, makes clear.

The CD, recorded in September 2008, contains two Sonatas by Bach (Wq65/4-2 and the Fantasia in D major‚ Wq117/14 and La Böhmer, Wq117/26, a character piece for harpsichord, interspersed with two early works by Britten, Five Waltzes, OP. 3 and Holiday Diary, Op. 5, offset by a rather later work, Night Piece. The effect, as I recall eulogizing in reference to the volume, is ‘electric’, with a direct, beautifully gauged sound on the recording and expertly incisive performances from Lazic.

The multiple personalities of the Bach pieces flit about mischievously, especially in La Böhmer, which bristles with wit. I might have been tempted to kick off with this sub-three-minute teaser actually, if only to heighten the nervy behaviour of the Britten Waltzes, composed in the l920s. Lasting around ten minutes, these amount to rather more than music ‘useful for the young or inexperienced to practise’, as indeed does the delightful set of descriptive pieces entitled Holiday Diary (1934) and the evocative Night Piece, which was composed especially for the Leeds Piano Competition some three decades later. What comes over so strikingly is the not dissimilar soul and personality of the two composers, as opposed to the obvious differences between their harmonic and structural approaches. This serendipitous liaison is made all the more cogent by the pianistic achievements of Lazic, whose magical touch invigorates the more impassioned moments, such as the Andante to Bach’s Sonata in D minor, as well as in the mellifluous murmurings of Britten’s Night Piece with which the CD concludes. What seems to have appealed to the pianist is the consistently high level of interest packed into these short pieces of music, and the fact that both composers demonstrate a true feeling for the unexpected, not to mention an enviable empathy with the highly contrasted possibilities in the instruments for which they were writing. Compare, for example, the atmosphere in ‘Sailing’ from Britten’s Holiday Diary, which is given a most poignant treatment by Lazic, with the Adagio assai from Bach’s Sonata in E flat – works both brimming over in expressive interest. Musical language, it would seem, need not be as critical as emotional weight when presenting a successful programrne of piano music, especially when it is so thoughtfully performed.

Lazic has hitherto recorded a dozen discs for Channel Classics and there seems to be no stopping him. His ‘strawberries with balsamic vinegar’ approach certainly chimes easily with the prevailing tide of fusion cuisine, but how many more unusual dishes will he be cooking up, one might ask? I am sure our twenty-first-century tastes will tolerate quite a few further adventurous couplings: Couperin and Messiaen, perhaps, or even Giles Farnaby and John McLeod. After all, if you caught Lazic’s encore at the Proms on September 2nd you'll have heard him follow up Liszt’s Totentanz with, ahem, Lady Gaga’s ‘Bad Romance’ - a nifty little fugue by Giovanni‘ Dettori that brought the house down. Whatever we’re in for next, l hungrily await his next iconoclastic serving.

Grandios ist das Mindeste, was es über diese Darbietung zu sagen gibt. "Leben und Leiden eines kraftvoll-heldischen Menschen" soll Mahler mit seiner Musik porträtiert haben. Ergebnis war alles andere als ein schlichtes Heldenepos alter Schule, sondern eine vielschichtige, in Assoziationen schillernde, vielfach gebrochene Musik.

Diese Mischung aus kunstvoller Naivität, Sentimentalität, Parodie, Konflikten, Entladungen und Apotheose brachten die ungarischen Musiker mit einer Intensität und einer Leidenschaft auf den Punkt. Jedes Detail band Fischer in spannungsvolle Entwicklungen ein oder schuf daraus zauberhafte Klanggemälde wie etwa im ersten Satz, in dem das Erwachen der Natur als eine Art Traumbild erscheint. Mit einer beinah beklemmenden Perfektion meisterte das Ensemble die Gratwanderung aus Hingabe und Distanz, alles wirkte ungemein schlüssig, die ungewohnten Klangfarben - fahl, am Rande des Erlöschens, schmerzhaft-grell, aus der Ferne - waren aufs Feinste ausgehört. Nach dem packenden Finalsatz wollten die Ovationen in der Beethovenhalle kein Ende nehmen.

Die Qualitäten des Orchesters hatten sich schon im ersten Stück des Abends entfalten können. Fabelhaft gelang das "Prélude à l'unisson" von George Enescu aus dem Jahre 1903, eine einzige - für die damalige Zeit höchst ungewöhnlich - Unisonomelodie der Streicher. Den Eindruck eines unvergesslichen Konzerts komplettierte schließlich der junge, aus Kroatien stammende Pianist Dejan Lazic. Am Salzburger Mozarteum bildete er eine schwindelerregend sichere Technik heraus, mit der er den circensischen Schwierigkeiten in Liszts "Totentanz" auf Augenhöhe begegnete. Lazic spielte wie entfesselt, zugleich mit eiskalter Präzision und wunderbar poetisch. Lediglich die Scarlatti-Zugabe geriet ihm etwas zu sehr zum virtuosen Schaustück.

Mais ce qui pourrait virer aux tics de chef minaudant avec certains de ses confrères est marqué ici du sceau de l’évidence et du bonheur d’être sur scène. À l’inverse d’un Gergiev, mahlérien agité ou de Zinman et Nott, mahlériens analytiques et distancés, Fischer pourrait paraître comme un interprète de Mahler jouissif ! Le chef fait de la musique, met en avant les radicalités de la partition, mais il n’en perd jamais l’élan et le sens des tensions. Sa lecture Symphonie n°1 de Mahler est évidemment un grand moment !

La musicalité de Fischer le conduit à s’attacher aux moindres détails de l’accompagnement orchestral de la Danse macabre de Liszt où l’orchestre, à l’exception d’une fin démoniaque, occupe un rôle assez secondaire. Les traits instrumentaux sont ciselés et les thèmes sardoniques dansent et virevoltent. Moins connu dans les pays francophones que d’autres faux espoirs du piano (en particulier la division 2  française : Bertrand Chamayou, Jonathan Gilad ou Lise de La Salle), Dejan Lazic est un virtuose exceptionnel. Sa technique est affutée, mais le musicien sait éviter le piège de la virtuosité gratuite et pesante dans cette partition de parade ! Le toucher met bien en avant les variations qui sont creusées par un dosage parfait des dynamiques. La brièveté de la pièce est complétée par un bis : une petite sonate de Scarlatti. En introduction de concert, Fischer et ses troupes avaient affronté le Prélude à l’unisson d’Enescu, pièce taillée sur mesure pour l’homogénéité des cordes hongroises.

En dépit du triomphe de l’ovation qui récompense une telle performance, chef et orchestre prennent congé du public sans accorder de bis.

Fischer, meanwhile, has become a major Mahler interpreter of late. He treated the Symphony as a young man's work that explores new musical landscapes, filled with intimations of dread yet approached with amazement. The audience roared for more. "We have a whole concert of encores at 10 o'clock," Fischer announced. So many stayed for the late night audience choice show.

The programme was decided by raffle. You were handed your ticket as you went in, and if your number was pulled from the bell of one of the BFO's tubas, you could suggest something from the list of 285 items in your programme. These were then put, three by three, to public vote after which the winning pieces were played at sight.

Most people wanted to hear the orchestra in their national repertoire, so we were treated to well nigh perfect performances of Bartók's Romanian Folk Dances and Kodály's Dances of Galánta. There was also an authentic Viennese account of Josef Strauss's Sphärenklänge, and the fastest and most exciting performance of Glinka's overture to Russlan and Ludmilla I've heard. Two great concerts; one sensational evening.

Danze che in effetti hanno un meccanismo compositivo comune ai cinque pezzi della Suite, partendo da piccoli intervalli che gradualmente si espandono all'intera scala, pur mantenendo appunto un carattere popolare che allude al folklore magyaro ma anche a quello rumeno. Un vero e proprio cavallo di battaglia della Budapest Festival Orchestra, che ha interpretato magnificamente - con colori strumentali particolarmente vividi e intensi - questa Suite bartokiana. Stiamo parlando di quel clima aggressivo, «barbaro», che nell'irregolarità ritmica, nei temi di danza interrotti dal delicato ritornello ora affidato al flauto ora agli archi, produce invariabilmente una risposta entusiastica da parte del pubblico, specialmente quando la partitura è così ben interpretata.

Poi il grande «Concerto n. 2 in la maggiore e orchestra» di Franz Liszt, momento davvero magico della serata con l'apparizione Dejan Lazic alla tastiera. Il giovane pianista croato, originario di Zagabria, è veramente molto dotato, un talento che ha mostrato fin da subito non solo con un gesto ampio, quasi ieratico, affrontando le continue trasformazioni del tema principale nell'Adagio sostenuto assai del primo movimento, ma anche nelle fasi successive che si rincorrono senza tregua. Questo Concerto è davvero complesso non soltanto dal punto di vista tecnico - stiamo parlando ovviamente della parte pianistica - ma anche perché in effetti è caratterizzato dalla successione serrata di tutta una serie di intimi paesaggi, di momenti «gloriosi» che superano la consueta architettura del Concerto tripartito. Uno dei momenti più emozionanti dell'intera composizione (l'intensissimo dialogo fra il pianoforte e il violoncello prima della parte finale), con il virtuosismo straordinario della parte pianistica, assolutamente lisztiana e tremendamente difficile, è stata affrontata dal giovane pianista in modo assolutamente strepitoso. Agli applausi del pubblico Dejan Lazic ha risposto con un piccolo omaggio all'Italia: una delicata Sonata scarlattina.

Dopo un primo tempo così interessante, ovviamente era grande l'attesa del pubblico anche per la seconda parte della serata, con la «Sinfonia n. 5 in mi minore op. 64» di Ciajkovskij. Un'interpretazione di grande spessore, con un Ciajkovskij che passa dal primo tema quasi doloroso a momenti poetici straordinari come l'Andante cantabile, dal clima carezzevole del celebre Valzer del terzo movimento al concitato finale.

Il clima che si avverte in questa splendida Sinfonia è stato realizzato in modo eccezionalmente intenso dalla Budapest Festival Orchestra diretta da Fischer: una serata riuscitissima, e in tutte le sue parti.

Bela Bartok è notissimo anche per le appassionate ricerche del folklore ungherese,cherealizzò „sul campo“, girando l’Ungheria e le nazioni confinanti con un pioneristico grammofono, conilqualeregistrava e raccoglieva melodie, danzee canzoni. Fra gli splendidi frutti di questo lavoro si colloca la Suite di 6 danze per orchestra, presentata nel1923 per il 50° di fondazione di Budapest e un paio di anni dopo trascritta per pianoforte solo. Scrisse Bartok che «la Suite è formata da sei brevi pezzi in forma di danza, di cui uno fa da ritornello e quindi ha funzionedi leitmotiv. Tuttoilmateriale tematico della composizione è ad imitazione della musica contadina... Mi sono servito di melodie di diversa provenienza: ungherese, valacca, slovacca, persino araba, talvolta mescolandole».

Il timbro haun valore enorme nella produzione bartokiana, ma la valorizzazione delle sonorità è fondamentale pure per Franz Liszt, che chiamò il suo secondo Concerto per piano «symphonyque», riferendosi all’importanza dell’orchestra e al ruolo particolare del pianoforte. Quest’ultimo talora si impone, mapiù spessosi integra nel tessutoorchestrale nella realizzazione di una forma ciclica nella quale il motivo principale continua a essere ripresentato variato. La forma fu un problema per Ciaikovsky, che, comunque, riuscì ad esprimere il carico dei suoi sentimenti di artista profondamente romantico in imponenti strutture. La Quinta, eseguita a San Pietroburgo nel 1888, non piacque realmente al pubblico, nonostante gli applausi, e Ciaikovsky ne dette la responsabilità unicamente a se stesso, per ricredersi l’anno successivo quando la presentò ad Amburgo e fu elogiata da tutti, Brahms compreso. La drammatica Sinfonia, non «programmatica» ma rispondente al principio della ciclicità, è basata su un episodio (tratto dall’opera «Una vita perlo czar» di Glinka) inserito in tutti i quattro movimenti. La bellezza dell’orchestrazione, il ribollire tematico e il «non detto» che traspare dal ritmo e dal procedere della Quinta Sinfonia la rendono un appassionante capolavoro.

La Budapest Festival Orchestra, formata dai migliori giovani strumentisti ungheresi, è divenuta in pochissimi anni unodeicomplessipiùapprezzati dalle maggiori istituzioni mondiali. Il famoso direttore Iván Fischer ne è il fondatore e stavolta presenta al Festival un rinomato pianista e compositore croato, Dejan Lazic, apparso nelle più importanti sedi concertistiche.

Maestro Lazic, al Festival lei eseguirà il Secondo Concerto di Liszt. Quali sono i pregi di questa composizione?
Sono felicissimo di interpretare questo Concerto, anche se non è così popolare come il Primo. Forse loamo per questo motivo… La sua bellezza consiste nella solida scrittura sinfonica: sembra quasi una sinfonia con pianoforte; da questo punto di vista si avvicina ai modelli di Schumann e Brahms. Dopo tutto fu originariamente concepito da Liszt come «Concert Symphonique». All’epoca si trattava di una soluzione originale: la forma a mosaico rende quest’opera davvero interessante e ogni volta ispira un nuovo approccio interpretativo.

Il bicentenario della nascita di Liszt stia rivelando nuovi aspetti del compositore?
Trovo importante che si tengano masterclass, conferenze ed eventi per analizzare non solamente il Liszt compositore e virtuoso della tastiera, ma anche le sue passioni, predilezioni e realizzazioni in altri campi e come essere umano. Approfondire il lascito di un grande artista è sempre bellissimo e sono orgoglioso di dare il mio contributo al bicentenario lisztiano.

Parliamo della sua collaborazione con Iván Fischer...
Da quando avevo 9 anni ho iniziato a collezionare i dischi di Iván Fischer e della Budapest Festival Orchestra, compagine davvero unica e fantastica. Fare musica con lui è un’esperienza fondamentale. Per me Fischer è uno dei più grandi direttori d’orchestra del nostro tempo. Ricordo il mio primo concerto sotto la sua direzione al Lincoln Center di New York nel 2008: ho avuto la sensazione di avvicinarmi al compositore come mai mi era capitato in precedenza.

In una recente intervista lei ha parlato del suo amore per il jazz. Pensa che l’arte dell’improvvisazione possa essere utile anche nel campo della musica classica?
Certamente! E non si tratta solo di un dono naturale, si dovrebbe studiare l’improvvisazione in modo serio, capire come funziona, sostenerla con la propria immaginazione, creatività, ispirazione. Io improvviso spesso le cadenze per i concerti di Haydn, Mozart e Beethoven sapendo che questi compositori non solo facevano lo stesso, ma esortavano gli altriesecutoriafarlo. Questo non solo consente di preservare freschezza e vitalità in pezzi del repertorio standard, marispecchia al meglio i pensieri e i sentimenti dell’esecutore sulla composizione, senza contare che molte cadenze non furono neppure scritte dai compositori, in parte per questa ragione.

Come considera Liszt come autore?  Quale tipo di esecuzione ci possiamo aspettare del Concerto n. 2 che propone anche a Bergamo? 
«Liszt era un grande musicista. Non solo un pianista, un improvvisatore e un compositore eccezionale, ma anche un artista e una persona straordinaria. La sua musica è un crocevia e attinge le sue fonti d’ispirazione da molti terreni differenti, che è riuscito a fondere in un solo linguaggio musicale, rivoluzionando anche l’approccio tecnico al suono del pianoforte. Io mi diverto enormemente a suonare il suo Concerto n. 2 anche se è meno popolare del primo e, forse, proprio per questo. La sua bellezza sta nella sua marcata struttura sinfonica: appare in qualche modo una sinfonia con piano, simile ai concerti di Schumann e Brahms, visto che, dopotutto, era originariamente concepito da Liszt come un „Concerto sinfonico“. Allo stesso tempo è anche anticonvenzionale, la sua forma a mosaico è una continua fonte d’ispirazione. Le parti più intime, di musica da camera creano un contrasto meraviglioso con quelle più potenti e colme di energia e completano questo lavoro unico per nobiltà; così noi abbiamo l’ambizione di ricreare a Bergamo queste atmosfere e ispirazioni».

Cosa pensa del suo ruolo di interprete? E come considera anche il suo altro ruolo di compositore? Quali sono le idee, le linee che segue nel vivere queste due attività? 
«Per me queste attività si completano. Grazie all’esperienza che ho come compositore posso riconoscere più facilmente che cosa c’è in mezzo alle note, perché non tutto può essere messo nella partitura, nemmeno nelle più dettagliate. Questo mi aiuta molto come interprete. E come interprete comunque io posso mantenere una migliore distanza per arrivare a un risultato che sia fresco, nuovo e attuabile in diversi campi. Queste attività si fondono specialmente quando suono la mia musica. Benché suonare il pianoforte sia il mio primo amore, non posso immaginare la mia vita oggi senza una parte creativa e senza produrre musica come compositore». 

Da interprete e anche da compositore, cosa pensa del rapporto con il pubblico?
«La platea degli ascoltatori è il collegamento necessario nel triangolo tra il compositore e l’interprete. Quello che fanno gli artisti non è solo per se stessi, ma anche, anzi direi soprattutto, per il pubblico. Nella sala concerti, il pubblico può essere anche un fattore che ispira nel processo della produzione della musica, c’è insomma sicuramente uno scambio. Io invito sempre alcuni amici ad essere presenti in studio quando devo registrare, perché mi dà la sensazione di suonare per qualcuno, e non soltanto per i microfoni».

Ci sono maestri, musicisti, sia del presente che del passato per lei particolarmente significativi? Se sì, quali, e perché?
«Ci sono molte grandi personalità che mi hanno ispirato e che mi hanno fatto crescere come artista. Una di esse è Ivan Fischer: ho iniziato a collezionare le sue registrazioni quando ero un ragazzino, vent’anni prima del nostro primo concerto insieme a New York nel 2008. Ho avuto dei grandi maestri, ma amo anche ascoltare le registrazioni di Jacha Heifetz’, mi piace il jazz (Charlie Parker, Duke Ellington, Chet Baker in particolare) e mi piace leggere Thomas Mann. Tutto questo è parte della mia formazione. Credo che avere un ampio e brillante spettro di interessi possa solo essere un vantaggio nell’esecuzione della musica ».

Cosa significa per lei essere musicista? Perché ha deciso di dedicarsi interamente alla musica?
«Per me è sempre stato così, sono cresciuto con la musica. Vengo da una famiglia di musicisti, non solo i miei genitori; anche mio nonno era un direttore d’orchestra a Vienna. Per un po’ ho considerato l’idea di diventare un calciatore, ma dopo aver visto il film di Milos Forman Amadeus (quando avevo nove anni) ho capito che anch’io volevo fare il musicista. Credo che sia la forma d’arte più astratta e mi considero molto fortunato a poter viaggiare per il mondo e a poter suonare questi capolavori per un pubblico internazionale. È una grandissima soddisfazione. A parte questo, credo che la musica classica abbia poteri armonizzanti e che possa portare un po’ di pace nel mondo di oggi, molto travagliato e inquieto».

Ci sono altre attività che interessano la sua vita? Hanno influenza sulla sua vita musicale?
«Amo lo sport e questo porta un grande equilibrio nella mia vita di musicista. Gioco a calcio regolarmente ma faccio anche jogging e yoga. Questo mi aiuta moltissimo a ridurre lo stress e a ottenere forza fisica e mentale, che poi utilizzo sia nello studio sia sul palco. L’altra mia passione sono i film. E da questo punto di vista sono molto fortunato a vivere ad Amsterdam vicino a due cinema, una multisala e una sala indipendente, più piccola. Così frequento entrambi regolarmente e vado a vedere molti film ogni mese. Dopotutto sono diventato un musicista grazie ad Amadeus».

Im Mittelpunkt seines neo-romantischen Ansatzes steht die einzigartige Orpheus-Szene im Andante-Satz des 4. Klavierkonzerts, deren radikale Kontrast-Dramaturgie er im atmenden Dialog mit dem schlank besetzten Australischen Kammerorchester quasi auf das ganze Konzert überträgt, und dieses ständige Wechselbad von zärtlichen und heroischen Gefühlen durch agogische Tempowechsel noch verdichtet. So dominieren hier die utopisch-phantastischen Charakterzüge einer poetischen Traumreise, die dann in einer mit Schubertscher Intimität durchlebten, fast körperlosen „Mondscheinsonate“ ihre Fortsetzung und in der ähnlich innerlichen, geradezu entrückten Metamorphosen-Dramaturgie der abgeklärten späten As-Dur-Sonate op. 110 ihren logischschlüssigen und erschütternd wahrhaftigen Abschluss findet: Hier blicken wir in die tiefsten Seelenabgründe des Meisters.